Elektronische Tanzmusik gehört heute zu den wichtigsten (Meta-)Genres populärer Musik. Darin spielt das Konzept der „Liveness“ eine zentrale Rolle, die gleichzeitig aber kaum beforscht ist – und dies, obwohl in Performances von Techno Liveness in technologische, soziale und kulturelle Bedingungen eingebettet ist, die die damit assoziierten Bedeutungen besonders unklar machen. Liveness bezieht sich traditionell auf die Performance von Musik in Echtzeit mittels Musikinstrumenten in Abgrenzung zu Aufnahmen. Welche Bedeutung wird Liveness aber zugeschrieben, wenn sich Performances aus der Präsentation aufgezeichneter Musik konstituieren, die zudem keinem instrumentalen Paradigma mehr folgen?Während Liveness bisher eher als Erfahrung und Qualität von Performances untersucht wurde, erschließt der Beitrag Bedeutungen von Liveness als performative Praxis aus Sicht ausübender DJs, Liveacts, Techno-Bands und Techno-Orchester, die in ihren Interaktionen mit Setups, Artefakten und Publika mit unterschiedlichen Ausprägungen von Liveness assoziiert werden. Deutlich wird, dass Musiker*innen sich zuvor einen Rahmen setzen (müssen), innerhalb dessen sie dann als bedeutsam empfundene Dimensionen von Liveness materialisieren.

Josef Schaubruch ist wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Johannes Gutenberg-Universität in Mainz. Er studierte Musik, Deutsch, Philosophie/Ethik und Bildungswissenschaften auf gymnasiales Lehramt und erhielt im Anschluss ein Promotionsstipendium. In der Folge bewegte er sich feldforschend und als aktiver Musiker lange in Szenen der Clubkultur, spielte zahlreiche Auftritte im In- und Ausland, veröffentlichte Tonträger und publizierte zu Themen elektronischer Tanzmusikkulturen. Nach seinem Referendariat arbeitete er als Studienrat an einem Gymnasium sowie als Lehrbeauftragter für Musikstudierende verschiedener Schulformen. Seine Forschungsschwerpunkte sind populäre Musik, (post)digitales Musizieren sowie Musikvermittlung.

Hardjowirogo, Instrumentalität

Werbetext für die Homepage:

„Wenn wir begreifen wollen, wie sich
zeitgenössische instrumentale Praktiken in kultur- und technikgeschichtliche
Zusammenhänge einfügen, kommen wir an einer Auseinandersetzung mit dem Begriff
des Musikinstruments früher oder später nicht vorbei: Die Frage, was aktuelle
mit früheren Instrumenten zu tun haben und in welchem Verhältnis sie zueinander
stehen, lässt sich nur dann beantworten, wenn klar ist, was überhaupt unter
einem Musikinstrument zu verstehen ist.“ (S.29)

Der Begriff des Musikinstruments wird
mit den technologischen Entwicklungen des 20. und 21. Jahrhunderts fortwährend
in Frage gestellt. Elektronische und digitale Musikinstrumente lassen
begriffliche Grenzen zwischen Instrumenten und Nicht-Instrumenten zunehmend
verschwimmen – etwa, wenn sie Klänge nicht erzeugen, sondern reproduzieren, und
keine Töne spielbar machen, sondern Tracks.

Der vorliegende Band stellt sich der
grundlegenden wie vielschichtigen Frage nach einem zeitgenössischen
Instrumentenbegriff im Kontext medien-instrumentaler Formen und Praktiken.
Dabei führt die Autorin historische und aktuelle Diskurse aus verschiedenen
instrumentenbezogenen Fachgebieten zusammen und erweitert so den traditionellen
Begriff des Musikinstruments um kulturelle und mediale Aspekte. Mit dem Rahmenkonzept
der ›Instrumentalität‹ wird schließlich eine Perspektive eröffnet, die es
möglich macht, Musikinstrumente in einem Ensemble kulturspezifisch und
dynamisch anwendbarer Kriterien neu zu denken.

Klappentext:

Der Begriff des Musikinstruments wird
mit den technologischen Entwicklungen des 20. und 21. Jahrhunderts fortwährend
infrage gestellt. Elektronische und digitale Musikinstrumente lassen
begriffliche Grenzen zwischen Instrumenten und Nicht-Instrumenten zunehmend
verschwimmen – etwa wenn sie Klänge nicht erzeugen, sondern reproduzieren, und
keine Töne spielbar machen, sondern Tracks. Der vorliegende Band stellt sich der
grundlegenden wie vielschichtigen Frage nach einem zeitgenössischen
Instrumentenbegriff im Kontext medien-instrumentaler Formen und Praktiken.
Dabei führt die Autorin historische und aktuelle Diskurse aus verschiedenen instrumentenbezogenen
Fachgebieten zusammen und erweitert so den traditionellen Begriff des
Musikinstruments um kulturelle und mediale Aspekte. Mit dem Rahmenkonzept der ›Instrumentalität‹
wird schließlich eine Perspektive eröffnet, die es möglich macht,
Musikinstrumente in einem Ensemble kulturspezifisch und dynamisch anwendbarer
Kriterien neu zu denken.

Seit Jahrzehnten beschleunigen sich die Entwicklungsdynamiken digitaler Technologien und digitalisierter Kultur eher, als dass sie sich beruhigen. Forschung zur Digitalisierung, insbesondere in Feldern ästhetischer Praxen und kultureller Bildung, hat es mit einem ausgesprochen fluiden Gegenstandsbereich zu tun. Auf dem Markt werden immer neue MusikmachDinge angeboten, um eventuell kurz darauf wieder zu verschwinden. Gleichwohl prägen sie die Aneignungsvorgänge, Praxis und Ästhetik ganzer Musikkulturen. Die Herausforderungen für Forschung sind entsprechend nicht gering: In gegenstandsbezogener Perspektive muss der erkundende und forschende Blick sich immer wieder neu justieren – gerade in Bezug auf Künste und ästhetische Praxen, die selbst Digitalisierungsprozesse immer stärker thematisieren und in ihrer Form reflektieren. In methodologischer und methodischer Perspektive bedarf es der Entwicklung neuer, den (post-)digitalen Praxen angemessener Forschungsweisen.Die vorgestellten Studien zeigen auf, inwiefern erst die Kombination aus „Gegenständen“ oder Dingen, seien sie physischer, kultur-technischer, technologischer, konzeptioneller und/oder sozial-kultureller Natur, den Zugang und damit auch die Rolle menschlicher Akteur*innen in den jeweiligen Handlungszusammenhängen formt. Die im Buch versammelten Forschungszugänge reichen von symmetrisch-soziomateriellen Konstellationen bis hin zu dezentriertheitssensiblen, wissenssoziologisch fundierten Blickweisen auf (Sozio-)Materialität. Dabei geht es um inhaltliche Aspekte von Design und Produktion, Wissen und Bildung sowie Konsumtion, Prosumtion und Nutzung.

Die Begriffe Sampling und Sample verweisen in musik- und klangbezogenen Kontexten auf überaus Unterschiedliches. Der vorliegende Band beleuchtet die Entwicklung der Diskurse um diese Begriffe, analysiert instrumentale Sampling-Prozesse und reflektiert die Sampling-Praxis als künstlerischenForschungsprozess. Dabei stehen folgende Fragen im Mittelpunkt:Wie hat sich das Verständnis von Sampling und Samples gewandelt? Wie vermittelt sich Sampling durch die instrumentale Praxis? Inwiefern prägt die individuelle künstlerische Sampling-Praxis die Wahrnehmung von Sampling? Diese Fragen werden anhand von Beispielen und Diskursanalysen thematisiert. So zeigt etwa die Analyse konkreter Anwendungen, wie das Interface-Design von Instrumenten das Verständnis von Sampling beeinflusst. Auch ein eigenes Softwaretool des Autors wird in diesem Zusammenhang reflektiert.Der Ansatz möchte eine Alternative zur bislang vorherrschenden Praxis bieten, welche die Begriffe Sampling und Sample durch neue Definitionen immer weiter auszudifferenzieren sucht und als exklusive Fachbegriffe etabliert. Sein Ziel ist es, Sampling in einer möglichst nachvollziehbaren und anschlussfähigen Annäherung in den verschiedensten Facetten darzustellen und zu diskutieren.

Musik ist Spiel(en). Ihr Spielfeld wird von Musikinstrumenten, medientechnischen Apparaturen und digitalen Kulturen bestimmt – von MusikmachDingen wie Videospielen, Synthesizern, Apps und E-Gitarren. Worin unterscheidet sich das Spielen eines Musikinstruments von dem Spielen eines Games, und inwiefern könnte Musik selbst als Spiel begriffen werden? Wie lassen sich Medienkompetenz, musikalische Ausdrucksvermögen und ästhetische Bildung mit Blick auf ludomusikalische Lernumfelder fassen? – Welche Traditionen und Konzepte spielen dafür eine Rolle und was bedeuten sie für Guitar Games?
Es geht um die Zukunft der E-Gitarre, die Gegenwart des (Video-)Spielens und die Verschränkungen zwischen Musikvermittlung und Medienkompetenz.

Drum-Machines sind spätestens seit den 80er Jahren allgegenwärtige Taktgeber aktueller musikalischer Gestaltung. Die kleinen, unscheinbaren Boxen, in denen sich Schlagzeug-Pattern programmieren lassen, haben bisher allerdings kaum wissenschaftliche Aufmerksamkeit erhalten. Hier werden erstmals nicht nur die verwobenen Technik- und Kulturgeschichte(n) dieser Maschinen skizziert, sondern die Geräte selbst werden als Wissensobjekte ernst genommen. Ihr Sound und ihre neuen technikkulturellen Zeitlichkeiten, entworfen durch Breakbeat- und Pattern-Labore des HipHop, House und Techno, lässt die Geradlinigkeit historischer Narrative selbst Geschichte werden. Sie werden als Akteure klanglicher Zukünftigkeit gehört – treffend benannt mit einem Begriff Kodwo Eshuns als Futurhythmaschinen.

Prozesse des Musizierens und der Musikproduktion sind durchdrungen von formalen Vorgaben und Vor-Einstellungen (Presets), die in Köpfen und Technologien gerastert und geregelt werden. Musikalische Ereignisse sind geradezu umzingelt und werden hervorgebracht durch zugrunde gelegte Formulare: Notations-, Speicher-, Wiedergabesysteme und -formate wirken als gelernte und/oder apparative Verfahren stark bestimmend. Obwohl formale Vorgaben und technologische Voreinstellungen fundamentale Wissensorganisatoren sind, verschwinden sie – manchmal buchstäblich als Masken bezeichnet – hinter irgendetwas, das nur noch als bedeutende Musiken erscheint.
Dieser Sammelband vereint kulturwissenschaftlich informierte, musikwissenschaftliche Beiträge über Musiknotation, Eurorack-Synthesizer, Musiksoftware, Blueprints für Musikgeschichte, Bedienungsanleitungen, Grooveboxen, Drum Machines, MIDI Controller, Tonträger, Band Set-ups ...